Frozen: ¡¡¡¡Por el Polvo de diamanteeeeeees!!!!!

Por mucho que nos pese a un gran número de aficionados al cine de animación, las películas de dibujos han pasado a mejor vida sustituidas por técnicas que permiten mostar un espectáculo visual dificilmente alcanzable con la animación clásica.

Hace casi dos décadas que Pixar sentó unas bases sólidas sobre las que se ha desarollado una nueva forma de hacer cine. Proyectos visualmente superiores cada año y decenas de estudios que se sumaban al carro de la animación por ordenador.

Al principio tuvimos ambos estilos, Pixar, como sucursal de Disney, nos regalaba su obra informática, mientras que los estudios de animación de la pripia Disney continuaban con su trabajo clásico.

Pero finalmente Disney, tras los resultados tan flojos de sus últimas incursiones con "Hermano Oso", "Zafarrancho en el Rancho" o "Tiara y el Sapo" ha optado definitivamente por la animación por ordenador.

En 2010, Disney recuperó parte de la gloria que se había esfumado en los últimos años con su obra "Enredados", volviendo a los inicios para elaborar su argumento y regresando a los cuentos clásicos de princesas.

Este año Disney rebusca en la misma fórmul, regresa a las historias de princesas que tan buenos resultados cosecharon en el pasado, pero se quedan algo más fríos, nunca mejor dicho.

Frozen cuenta la historia de dos hermanas, la pequeña y alocada Anna y la responsable Elsa portadora de los poderes del caballero del cisne... que digaaaaaa.... capaz de invocar  el frío y el hielo. Sin embargo la incapacidad de Elsa para controlar sus poderes la obligará a mantenerse distante de su hermana.

Es un planteamiento sencillo sobre el amor entre hermanas y la importancia de la familia, y poco más.

Los personajes de Elsa y Anna reciben una importante influencia de "Enredados", tanto en el diseño de ambas, como en el caracter en el caso de la joven Anna. Ambos personajes están bien trabajados y funcionan en pantalla y de hecho son las que soportan todo el peso de la película.

Elsa tiene presencia, glamour y carisma. Emana belleza y poder por su piel. Lástima que no haga gala del mismo en un enfrentamiento a su altura.

Anna es nerviosa, descarada y divertida. Es un torbellino de positividad y diversión. Es radiante y adorable como sólo estos personajes encantadoramente alocados son capaces de serlo.

Por contra los personajes secundarios son demasiado básicos, demasiado sencillos, hasta el muñeco de nieve Olaf, pese a tener unos cuantos momentos de lucimientos  no alcanza el estilo de personajes pasados. Pascal, el camaleón de Rapunzel, aun sin hablar, tenía más presencia y carisma. Cumplen su cometido, el chico guapete, su compañero y el bufón de la historia, pero daban para más. Quizás los pequeños trolls, pero a su corta intervención son de lo mejor en cuanto originalidad y puesta en escena se refiere.

Hay que mencionar que esta obra carece por completo de un villano a la altura, lo que le resta tensión en intriga a la obra. No hay sensación de amenaza, de verdadera aventura. Tan solo una historia sobre la reconciliación de dos hermanas y su intento de deshacer esa ventisca adelantada a su tiempo. 

Aun así la historia es bastante entretenida sin poder evitar un par de clichés.

Hasta que llegamos al punto "peculiar" de la obra. La banda sonora. Hasta ahora las películas Disney habían tenido sus canciones que añadían espectáculo a la cinta. Pero en el caso de Frozen hay que advertir que nos encontramos ante un musical en toda regla. Ya no es añadir música porque sí. Hay momentos en los que la canción es imprescindible para sentir la trama. Un musical en toda regla. Y aunque las piezas musicales son buenas por separado, todas seguidas en el hilo de la película llegan a casar. ¿Por qué? Por una razón muy sencilla. Son demasiado parecidas. Canciones de perfil adolescente y ñoño que podrían haber sido sacadas de un capítulo de "Hanna Montanna" o la actualmente en el candelero infantil "Violeta". Los espéctaculares números de Tim Rice o Hans Zimmer, títulos como "Qué Festín", "Bajo del Mar", Hakuna Mattata", variados, pegadizos y sorprendentes han sido depuestos. La cantidad de canciones cantandas por los mismos personajes rompe el ritmo de la película y corre el riesgo de cansar tanto a algunos niños, como a adultos. Insisto que las canciones no son malas de por sí, peeero se hacen un poco cuesta arriba por su carencia de variedad.

Pero aun no hemos llegado al gran acierto de esta película.

Su diseño artístico.

Espectacular. Visualmente es una maravilla. El modo en que la nieve y el hielo se alzan en esta obra es solemne. Las escena de la creación del palacio de hielo es memorable, e incluso la canción que suena es menos ñoña adornada con el poderío de Elsa que luce todas sus habilidades como si del Dr. Manhatan en Marte se tratara. Disney despliega su tormenta de invierno con maestría en una época propicia para hacernos sentir como si verdaderamente estuvieramos hundidos en la nieve y eso si es digno de ver.

Frozen nos deja algo fríos, si llevamos el listón que dejó Enredados, pero sin duda es lo mejor que ha dado la animación este año y recupera el espíritu clásico de Disney que tanto se echaba de menos. Es una película digna de ver, entorpecida por una banda sonora desafortunada en lo que a su simlitud se refiere, y la carencia de un verdadero fin que justifique la trama. Pero que cumple su función de entretener y hacer volar nuestra imaginación como siempre ha sido el leit motiv de Disney

NOTA: 7/10

Os dejo con el gran momento musical de la película para los que quieran repetir la experiencia o no les importe adelantar el visionado previo a ver la obra completa (aunque aviso que pierde sin conocer el contexto previo del personaje)

¡Feliz Navidad!

Queridos excursionistas:

Simplemente hacer un alto en el camino para enviaros mis mejores y más frikis deseos. Espero que en estos duros tiempos donde todo se ha vuelto un poco más duro, descabellado y subrealista, podáis encontrar vuestro tiempo para sonreir, para disfrutar de vuestros seres queridos y de la ilusión que viven muchos niños estos días.
Un abrazo a todos, y gracias por recorrer este camino con nosotros.

Publicidad que funciona....

Me retracto, queridos excursionistas, me retracto. No tengo más remedio. He de reconocer las cosas cuando funcionan. Pese a que puse a caer de un burro al anuncio de loteria de Navidad he de reconocer las cosas...

Ha funcionado. Es efectivo. Todo el mundo lo conoce, todo el mundo se ríe de él. Es una cursilería, una bazofia y un insulto y mofa para algunos de esos artistas, quizás para los seis, pero la gente habla de ello... y al fin y al cabo de eso trata la publicidad, ¿o no?

Los hemos visto también, a los otros, a los duplicados, a esos videos hechos por fans, con muy mala idea parodiando el anuncio, sugiriendo las aficiones caníbales de Raphael o mostrando los colmillos de la Sra. Monserrat.

Hemos imitado su voz, ese gesto de muñeca y esa dentellada a lo Walking Dead. Todos sin excepción.... si hasta muchos nos hemos dado cuenta que nos sabemos la letra.

.... y eso queridos excursionistas, en el campo de la publicidad es un éxito.


Asi que señor Toni Fernández, director creativo, mis felicitaciones (que le importarán una mierda pero bueno) Su anuncio es cursi, repelente y vomitivo.... pero es un jodido y puñetero éxito y me pica la curiosidad de ver que mierda tiene pensada para el año que viene.

Os dejo con este video de uno de los componentes del grupo Aurym en tu cara me suena. Que sin ser de mi especial a grado( el grupo digo, el programa me parece muy divertido) no sé ni lo que cantan, tuvo un momento divertido en el pasado programa....

EL HOBBITT: De todo menos desolador....

Tras un año de espera, o dos, según se mire, ha llegado al fin. No tarde ni pronto, ha llegado cuando era necesario. Bilbo y los 13 enanos de Erebor continuan su empresa de recuperar la montaña solitaria y entran  en la cartelera pre-navideña por la puerta grande.

Hay disparidad de opiniones en lo que a esta segunda trilogía de la Tierra Media se refiere. Para muchos "Un viaje inesperado" fue un jarro de agua fría donde la sed de aventuras y fantasía se vio ahogada por una historia que arrancaba algo arrastrada y bufonesca con un plantel de enanos " cama arriba-cama abajo" que no merecían el relevo recibido de Aragon, Legolas, Gimli y el resto de la compañía.

Sin embargo para mí, "Un viaje inesperado" fue el principio de una nueva aventura cargada de posibilidades, una oportunidad de regresar a la Tierra Media desde otro punto de vista, y cumplió las espectativas. La historia nos habló de nuevos personajes, acompañados de algunos viejos, y tan viejos, perfectamente entrañables si se les da la posibilidad. Jackson a dado a cada uno de los 13 enanos una valiosa personalidad que los convierte en un conjunto perfecto que no permite excluir a ninguno de ellos. Pese a que al principio una retaíla de Bifur, Bofur, Bombur, Balin, Dwalin, Filli, Killi, Ori, Dori, Nori, Oin, Gloin y por su puesto Thorin (que conste que los acabo de escribir de memoria) resulte confusa e indistiguible, merece la pena ser observada atentamente para ver más allá de unos nombres musicales (Recomiendo encarecidamente los apéndices en Blu Ray de la versión extendida para conocer más sobre estos enanos y los maravillosos actores que los interpretan. Les garantizo que tras el documental veran como cada uno de esos enanos se convierte en parte independiente pero indivisible del grupo)

Y como decía... que me pierdo, para mí el comienzo de aquel viaje inesperado resultó tan emocionante como la formación de comunidad, aunque reconozco que carecía del clamor épico que destacó a la segunda, en parte también por lo novedoso del asunto.

Sin embargo en este segundo acto, las presentaciones ya están hechas, quienes hayan querido aprenderse el nombre de los enanos ya lo han hecho, y los acontecimientos ruedan por incercia sin necesidad de impulso.

La cinta recorre una carrera de obstáculos hacia la montaña solitaria con nuevas situaciones y mostrándonos nuevos lugares de la Tierra Media de los que habíamos oído pero aun no habíamos visitado.

Conoceremos a los elfos del bosque negro y nos sorprenderna las diferencias con los afables  y educados elfos de Rivendel. Thranduil no es Elrond y eso queda claro desde el primer momento. Hasta la fecha apenas habíamos rozado el lado más egoista y arisco de los elfos. Hasta Legolas está cambiado, o para ser más correctos, aún no ha cambiado. Lo que tiene sentido si lo enlazamos con el recelo del elfo en "La comunidad".

Nuevos personajes y  nuevas aventuras. Mención especial a Evangeline Lilly, la elfa Tamriel y al humano Bardo. Las dos caras nuevas más significativas de la obra que funcionan bastante bien sin ser tan maravillosos como para acaparar más protagonismo del que merecen. Presiento que su momento aun está por llegar.

Unn ritmo trepidante que presenta un corto, pero ineficaz bajón hacia el principio del tercio final de la película, en la visita a la Ciudad del Lago, pero que se compensa por el cresccendo final y la aparición del gran protagonista de la cinta: Smaug.

Hasta la fecha, podíamos considerar a Draco de "Dragon-Heart" el máximo exponente de cuanto el cine de dragones ha ofrecido. Podríamos dedicar una larga entrada con respecto a los dragones del cine (y se hará) pero la presencia y la sabiduría de Draco no había sido igualada hasta la fecha.

Jackson nos ha dado a su rival interpretativo definitivo. Smaug es todo lo opuesto a Draco. Egoista y vanidoso, iracundo y soberbio. Es un terror alado cuya magistral voz hiela la sangre. No tendrá tanta repercusión mediática como la tuvo Gollum en su día, ni será tan propenso a ser imitado. Pero tras años de ilustraciones, versiones animadas y esquemas en la imaginación de tantos lectores, Smaug tiene una voz y una forma definida y el resultado es sublime. No decepciona.

Y en todo esto hay una historia paralela, una historia que ya se asomó hace un año y que continua este. Es la sombra que manipula en la sombra mientras Bilbo y los enanos de Erebor tratan de cumplir su objetivo. Es la sombra que desvía continuamente la atención de Gandalf. Una presencia que Jackson está introduciendo lentamente en esta trilogía para poder conectar ambas obras en su gran capítulo final.

Por cierto, no se dejen engañar por esta imagen, una de las pocas en la red que revela el aspecto del dragón.... el resultado final en pantalla es mucho más satisfactorio.


Todo lo referido al Nigromante y a Dol Gundur no formaba parte de "El Hobbit" original de Tolkien sino de apéndices del Señor de los Anillos y de su tercera obra "El Simarrilion". Pero la intención del director de incluir esta historia secundaria hace ganar a la película y al propio Gandalf. Nos devuelve esa continua sensación de amenaza que se cernía sobre La Comunidad del Anillo y proporciona a Gandalf uno de sus mejores momentos desde el enfrentamiento contra el Balrog en Moria. Nada que ver con el bochornoso encuntro con el Rey Brujo de Angmar en "El Retorno del Rey".

Muchos han criticado a Peter Jackson, o han hecho mofa, de como está convirtiendo un cuento sencillo para niños como es "El Hobbit" en una larga trilogía de tres películas de aproximadamente tres horas cada una. Pero alargar esta obra con tales inclusiones creo que es un acierto que nos enriquece en gran medida este regreso a la tierra media.

Hay un par de puntos negros en la obra, como he comentado existe un bajón en el ritmo narrativo hacia el comienzo del tercer tercio de la película que puede resultar algo desmotivador o provocar que nuestra atención disminuya, afortunadamente es solventado tras la aparición de Smaug.
Por otro lado la banda sonora es bastante más floja que en su predecesora, y por su puesto que en la anterior trilogía, rescata algunas piezas de "Un viaje Inesperado" sin hacer uso de la gran "Misty Mountain" y sin un nuevo tema memorable, al menos en un primer visionado.
Podríamos decri que el final de la cinta es algo abrupto, si bien bastante razonable puede dejar a más de uno frustrado por carecer de una conclusión en los dos arcos argumentas en los que diverge la película. Reconozcamoslo, nos fastidiará a todos porque nos quedamos con ganas de más.
Finalmente, un detalle molesto a los ojos de un aficionado al mundo de los dragones, los cambios experimentados en Smaug en cuanto al diseño de sus extremidades. Pese a ser concebido como un dragón de estilo occidental con 6 extremidades, cuatro patas y dos alas, y aunque en el prólogo de "Un viaje inesperado" se aprecia claramente en su entrada en Erebor sus cuartos delanteros, como extremidades independientes de las alas (de hecho es lo único apreciable del dragón en la primera cinta) Se ha optado por cambiar el diseño a un estio wyveresco, dando al dragón cuatro extremidades, es decir, dos patas traseras y como miembros anteriores sus dos alas. Una costumbre algo molesta que se ha adoptado en varias ocasiones en el cine (esto mismo se vio en "El Reino del Fuego" o en los dragones de la saga de Harry Potter".

Pese a estos detalles muy menores, y reconozcámoslos, muy frikis. "La desolación de Smaug" es una continuación del viaje trepidante y repleta de más aventuras en  la Tierra Media que no dejará indiferente a ningún espectador.

Lo peor... que hay que esperar otro año para ver el final de esta trilogía.

NOTA: 9/10

Carrie: yo esto lo he visto en algún sitio...

Ya lleva un par de semanas el remake de Carrie en nuestras salas.
¿Qué podríamos decir de este remake de la obra de Stephen King?.... Pues que se tomaron muy a pecho la palabra remake.
Si bien la historia de Carrie era de sobra conocida, su director podía haberse molestado en crear algunas escenas más o inventar un transfondo más allá de lo esperado. El problema de esta obra es que la historia es la que es y no hay esfuerzo por mostrar nada nuevo.

La actriz protagonista Chloe Grace Moretz, un diamante en bruto que aun tiene para mostrar mucha más de lo que saca a relucir en esta Carrie, crea una versión más que correcta del personaje. Sin embargo flaquea en algunos puntos. Estaremos de acuerdo en que lo hace todo lo bien que es capaz, pero Chloe es demasiado guapa, demasiado angelical, y eso no se lo quita de encima por muy introvertida que pretenda parecer. Hollywood tiene la fea costumbre de dar a mujeres de 10 los papeles de chicas feuchas y marginales,  eso hace mella en su credibilidad.

No diré que Sisy Spacek en el 76 fuera un orco de Mordor (aunque yo nunca la he encontrado actractiva a fin de cuentas) pero su aspecto huesudo, alargado y grimoso,  con esos ojos saltones, la hacían mucho más inquietante. Chloe Grace Moretz no provoca ese terror ni esa inquietud que provocaba la obra del 76 al final de la cinta en su gran orgía de masacre y muerte.

Julanne Moore se hace con el papel de madre fanática y odiosa de maravilla creando dando los mejores momentos de la película en su perturbadora relación madre hija. Aunque la primera secuencia de la película es poco creible, no la interpretación sino...

 (Ojo SPOILERS)
....el hecho de que una mujer adulta desconozca que ha estado embarazada durante 9 meses
(Fin SPOILERS)

Por lo demás al margen de las dos protagonistas, la película no nos ofrece nada más. Una carrera de hora y media que se desplaza aceleradamente hacia un final inevitable y de sobra conocido que no permite, o no se molesta (según se mire) en salirse de los railes que ya estableció Brian de Palma en 1976. No hay más esplicaciones de las conocidas, no hay nuevas escenas memorables todo se resume en llegar a ese final, a ese momento del cubo y la sangre de cerdo y lo que le sigue, lo mismo de siempre pero con efectos de 37 años más avanzados.

Resumidas cuentas: una obra que se disfruta, que revive el clásico y que no va más allá de un estricto remake, idénticas escenas protagonizadas por nuevas caras.

Nota: 6.5/10

Dioramas para Saint Seiya (Caballeros del Zodíaco)

Saludos excursionistas;

Seguro que muchos de los que participáis en este viaje sois aficionados al coleccionismo de figuras. Y sabréis tan bien como yo que nuestros personajes favoritos no se lucen igual en las frías bladas de una vitrina que en un escenario propio de su entorno.

Es por ello, que dirían Martes y 13, que decidí dar a mi colección de Caballeros del Zodíaco un escenario digno del brillo de sus armaduras.

La técnica que he empleado para su realización es sencilla y su resultado aplicable a muchos tipos de figuras, no solo a esta colección en concreto.

Sin más nos pondremos a ello.

NOTA PARA NIÑOS: los materiales para crear estos dioramas son irritantes y tóxicos si se ingieren o inhalan. Ciertos procesos pueden tener riesgo de incendio si no se realizan adecuadamente por lo que es importante NO REALIZAR SIN SUPERVISIÓN DE ADULTOS.

En primer lugar el material:

A) Planchas de Poliestireno Extruído: esto que puede sonar a chino a muchos no es ni más ni menos que el "corcho blanco de bolas" que viene frecuentemente en las cajas de los aparatos electrónicos protegiendo en el embalaje.
Sólo que esta vez en lugar de ser corcho de bolas buscaremos plachas de corte plano para que no se desmenuzen al cortarlas. Podeis encontrarlas en un Leroy Merlín. Si os miran como si les hablárais en chino preguntad por las planchas de "Aislante" porque se usan para eso.

Como podéis ver en un paquete vienen varias láminas de unos 7mm de grosor. Estos paquetes cuestan 24 euros y tenéis material de sobra para hacer un diorama y otro par más. Al principio puede que gastéis más material es cuestión de medir bien y aprovechar los extremos de las piezas en los cortes para ahorrar material.

B) Adhesivos: hay que tener en cuenta que el poliestireno no se puede pegar con pegamentos tipo superglue porque se "comen" el material. Si queréis por curiosidad hacer la prueba, pero con cuidado. El material de este tipo de pegamentos, cianocrilato, consume el poliestireno creando un efecto tipo ácido de alien. Algo útil según el diorama que vayamos a crear..... ahí lo dejo.

Por tanto utilizaremos adhesivo para poliestireno propiamente que se puede encontrar en el mismo lugar donde encontréis las planchas. Los hay en tubo o en cubo pero igualmente se debe administar con espátula. Es como una especie de pasta que se aplica como si de cemento se tratara. Se extiende sobre la superficie a pegar y se comprimen. El material solidifica creando una fuerte unión.

Por otro lado también necesitaremos cola blanca para las columnas. Esto lo explicaré más adelante. Cualquier cola de papeleria para papel y cartón empleada en trabajos manuales nos sirve.

C) Cilindros de cartón de papeli higiénico. Esto es sencillo. Servirán de esqueleto para las columnas. Tantos como columnas queramos. En mi caso cuatro.

D) Cartón acanalado: Servirá de superficie de las columnas. Se puede comprar en ferreterías al corte. Por cierto, lo normal es que el acanalamiento vaya por un lado y el otro lado sea liso.

E)  Pinturas: los colores van al gusto de cada uno. Para este diorama en concreto sólo necesitaremos pintura blanca, negra y gris. El gris siempre se puede sacar mezclando pero como hará falta bastante yo preferí comprar un bote gris para asegurarme de que siempre iba a conseguir el mismo tono. Mi experiencia con pinturas acrílicas del tipo Citadel (Warhammer) ha sido muy buena con lo que son las que recomiendo. Aun así seguro que se pueden emplear otros tipos.

F) Otros materiales básicos como: una regla, un metro, escuadra y cartabón. Un cútex. Y por supuesto: una buena mesa para trabajar, ¡Ojo que esto puede manchar! Proteged la mesa con un plástico, cartón o un hule.

Bien. Aclarados los materiales el primer paso es pensar qué vamos a crear. Para esto recomiendo hacer un dibujo en un papel. Un boceto para hacernos una idea de proporciones y espacios. Por otro lado en ocasiones tendremos que medir el lugar al que vaya destinado el diorama en caso de que haya que encajarlos en vitrinas, mesas o estanterias.

Si nos fijamos en la imágen de la cabecera de esta entrada. Estos templos son de estructura sencilla. Se componen de una base sobre la que se levantan escaleras que van generando distintos pisos. Pues bien para crear este efecto vamos a diseñar eso mismo: pisos.

Con el cutex, con cuidado, y tras las mediciones oportunas iremos cortando secciones.

 

Vamos paso a paso con las secciones. Van de la A a la G.

A) Un rectángulo. La sección base con las proporciones que nos interesas. En su región anterior irá la primera línea de figuras.

 B) En la siguiente figura vereís la sección B, inmediatamente puesta sobre la A. El ir colocando las secciones una encima de otra de más a menos no dará altura, consistencia y efecto de escalera.

 C) Como la sección anterior simplemente nos añade altura y peldaño de escalera.

 D) Aquí creamos algo más grande para dar una segunda altura sobre la que colocar otra línea de figuras. Si queréis podéis hacer que D sobresalga un poco sobre el borde de C para mejorar la estética.

 E) Creamos una altura más, otro peldaño y en ambos extremos una ampliación para embellecer la base de las columnas.

 F) Ya casi estamos. Una altura y otro peldaño más.

 G) Ya tenemos todas las alturas. ¿Donde van a ir las figuras? Pues en tres espacios y a diferente altura. En A, D y G.

A esto añadimos las columnas y si queréis podemos crear una pieza que atraviese todas las plachas y haga de barandilla. Son las piezas 1 y 2. Hay dos manera de hacerlas. O bien escalonada si se hace al final. O triangular si se hace al principio, pero habrá que cortar las piezas de la A a la G pensando en dejar hueco para el pasamanos.

Recomiendo pegar las secciones cuando las hayamos cortado todas y se haya comprobado que quedan bien. Se puede ir utilizando la pancha anterior como silueta para sobre dibujar la siguiente en una nueva pieza de poliestireno. Eso nos ahorrará tiempo y medidas. Y recordad, ahorrad material. De una plancha se pueden sacar varias secciones.

Tras terminar la base añadiremos una pared que hará de fondo y las columnas. Yo no pegué la pared y las columnas para que fuera más facil desmontar el templo.

Con el tema de las columnas no tengo fotos, pero la idea la saqué de un video en youtube, que ahora no encuentro. Consiste en coger el canuto de cartón y enrollarlo con una lámina de cartón acanalado de su circunferencia. Es decir un canuto dentro de otro canuto. Se pegará con la cola blanca.

Esta es la imagen final que tendremos de nuestro templo sin pintar. Fijaos que hemos añadido una puerta a la fachada. Un frontispicio triangular en lo alto (sencillamente cortamos tres secciones rectangulares y las pegamos perpendicularmente a la fachada creando esta forma triangular)

También hemos embellecido las columnas añadiéndoles una pieza plana en ambos extremos y un capitel de volutas rudimentario hecho con masilla de multicomponentes. Se hace un rulo y se enrosca como un caracol por ambos extremos. Se espera a que se endurezca y se pega con nuestro cemento particular.

Insisto en que para que sea más fácil meterlo en la vitrina va por partes. La base con toda su estructura de escaleras seria un bloque y la primera parte. Cada una de las cuatro columnas individuales con su base y su capitel. Y la fachada con su frontispicio otro bloque y la sexta parte.

Antes del pintado toca grabar las baldosas. Esto es sencillo pero hay que ser cauto. En primer lugar pensad en lo que hay que dibujar. Mirad una sencilla pared de ladrillo:

Es tan simple como este dibujo todo el tiempo. Ahora bien lo que vamos a necesitar es grabarlo con profundidad.

- Primero lo dibujamos con un boligrafo. Ya al dibujarlo crearemos surcos que bien podrían servirnos.
- Pero si queremos más profundidad emplearemos una resistencia, un soldador.

Con el elevado calor que crea este objeto se ira derritiendo el poliestireno a su alrededor creando los surcos que queremos. Un consejo: el soldador se calienta mucho, incluso demasiado. A veces es mejor desenchufarlo  y continuar para que pierda algo de calor, si vemos que se ha enfriado mucho y no corta lo enchufamos de nuevo.
¡CUIDADO con el soldador que quema mucho! ¡OJO CUIDAO! No vayáis a tocarlo para comprobar la temperatura.

Otra forma es calentando el filo de un cútex o un punzó de hierro, pero vais a tardar más en calentarlo con un mechero o una vela que el tiempo que va a durar caliente, y se enegrecerá el filo estropeándose. Creedme que fue mi primera opción y tarde dos horas en dibujar  la mitad de una sola sección del diorama.

No sólo hay porque dibujar las baldosas. En este caso nos encontramos con un antiguo templo griego por lo que hacer muescas superficiales, arañazos y algunas zonas quemadas más grandes ayudaran a crear sensación de antiguedad cuando lo pintemos.

En el caso de mi templo aparte de multitud de muescas, grabé el símbolo de Atenea a ambos lados de la fachada.

Finalmente falta el pintado. Recordad el dragón que os enseñé. Esto funciona con efecto a capas.

- Empezaremos con una capa negra que oscurezca la base, pero sobre todo las grietas y ranuras.

- Despues con poca pintura emplearemos el gris para que la superficie de cada baldosa quede en color piedra.

- Finalmente pincel seco blanco para dar brillo y detalle. No os paseis porque parecerá que ha nevado.

Como detalle final podemos poner una foto en el pórtico para emular el interior del templo y...

¡VOILÁ!

Aquí tenemos nuestro templo.....

¿Dudas o preguntas?

El Anuncio de la Loteria: Christmas is coming!!!

Bueno pues la Navidad se va acercando y los responsables de la Loteria Nacional han lanzado su campaña de este año.... ¡¡¡CHUSTA!!!

Para muchos, este anuncio siempre ha sido un clásico en lo que a campañas de promoción Navideña se refiere. El anuncio de la Loteria Nacional se encuentra junto con clásicos como el turrón 1880... el turrón más caro del mundo... ahora que lo pienso, nunca lo he comprado ni me he parado a ver el precio...

Total que todos recordaremos al calvo de la loteria y esa melodía clásica...

Bien, pues al calvo lo mandaron al paro hace algunos años porque decían que era un anuncio que evocaba la época del franquismo... ole tus cojones ZP!

Así que este año, con la crisis bien presente, no han tenido mejor idea que plantar un anuncio relamido y penoso con algunos cantantes de segunda....

Bueno hago un inciso aquí y envió mis respetos a la gran Monserrat Cavallé, para mí una de las grandes. Toda una señora que entiendo que se haya presentado a este anuncio con toda su ilusión. Pero mi señora, la próxima vez asegúrese que le acompañan artistas de su categoría...

... vale, Raphael es otro de los grandes, otro gran respetado desde mi punto de vista, una de las mejores voces de España... que no se le olvide, señor Raphael pasar por la cuchilla a los encargados de iluminación y maquillaje del anuncio... porque le han sacado con una pinta de julandrón... vale que usted siempre ha disfrutado de la grandiosidad de la gesticulación pero aun así... en serio... ¿de verdad?

Y qué falla del anuncio..... pues todo lo demás...

- Primero, con la de canciones que hay han ido a reventar uno de los temas grandes de Elvis Prestley con una letra absurda y cursi que se me asemeja a un intento chapucero de hacer un Great Hit a lo  "Christmas is all around you" de Billy Mack en Love Actually. Siendo ésta una idea original que se ríe de sí misma y la de la campaña de navidad una mierda de versión que no ha hecho a Elvis levantarse de su tumba porque Hallween quedó días atrás.

- Por otro lado ese público más falso que judas viendo a los cantantes con cara de gilipollas integrales. En serio, no he visto extras más penosos que estos.

- Y por último pero no menos importante los tres artistas restantes: Bustamante, Marta Sánchez y una chica que creo que se ha tragado a Niña Pastori.

Lo tenían a huevo, con la crisis que hay era un anuncio para ponerse nostálgico, para hablar de los sueños y de las ilusiones, de otros valores... pues no, saquemos a cinco famosos, tres de ellos relamidos con su pomposidad que seguro que la gente que está en el paro se identifica con el asunto....
 Algunas ideas para la próxima:

- La Navidad funciona mejor en blanco y negro o en colores rojos, verdes y blanco.... el color dorado sólo le da a Raphael aspecto de C3P0.
- Os habéis quedado a medio camino, chicos, podíais haberos fijado en "We are the world" de Quincy Jones y Michael Jackson, y haber contratado a 20 artistas de peso. Que parece que os habéis gastado el dinero en Raphael y la Caballé y habéis cogido a los tres que han colado con lo que os quedaba....

... pero que listos que sois.... reconocerdlo, el calvo era el que tenía las ideas...

Os dejo con el esperpento completo...

por cierto...hay quien dice que si aguantas el anuncio hasta el final... te dan una vida extra para el Candy Crash...

¡No hay güevos!

Warhammer + Star Wars = THOR: el Mundo Oscuro

Partamos de un principio básico. "Thor", la película anterior, la primera incursión de este personaje en el universo filmico que marvel ha creado, es una mierda, un castaña de proporciones mitológicas que solo es salvada por los primeros 15 minutos de película, del mismo modo que la Chusta de Hulk de Ang Lee sólo se salva por los 15 minutos de enfrentamiento entre Hulk y los tanques del ejército en medio del desierto.

Como digo, hace un par de años vimos una película que no fue más que una absurda presentación de personajes para prepararnos para lo que de verdad fue una película, "los Vengadores".

Ahora tras la resaca que el desastre de Nueva York ha dejado en este universo cinematográfico, Thor retoma varios asuntos pendientes.

La pregunta es: ¿Es "El Mundo Oscuro" mejor que su predecesora? La respuesta es un rotundo sí. 

Ahora valoremos los cuatro puntos principales: El Héroe, el Villano, la Historia y el Escenario.

Pero empecemos por este último punto.

Todos sabemos cual fue el gran pecado del pasado, pensar que una película del asgardiano podría desarrollar su trama en la tierra y despertar interés.

Al parecer los responsables del personaje han aprendido de su error, pues en esta ocasión el 80% de la película tiene lugar fuera de Midgar, es decir la Tierra, lo que nos permitirá visitar otros reinos como Vanhaim o el mundo oscuro de los elfos que sin ser una maravilla resulta mucho mas atractivo. Por otro lado volveremos a ver un Asgard que tomará mucho más protagonismo desplegando su impresionante arquitectura y su tecnología que en ocasiones evocara a la Antigua República Starwarsiana.

Con este primer punto podemos estar satisfechos.

Sobre el Héroe y sus aliados también encontramos mejoría. Tras dos películas a la espalda, nuestro protagonista es de sobra conocido, ya podemos ahorrarnos secuencias y diálogos introductorios, no perderemos tiempo desarroyando la relación entre el héroe y la chica de la película. Todo esto ya está establecido. Eso nos permite que Thor pueda dedicarse a lo que sabe hacer, ser el dios del trueno. Dar mamporros divinos y agitar su Mjönlir con alegría. No tiene que demostarnos que ha dejado de ser un egoista malcriado para ser un héroe. Ya lo dejó patente y esto permite deleitarnos con un Thor mucho más sabio y sensanto que en las dos anteriores. Lo cual lo hace el mejor Thor hasta la fecha.

Natalie Portman, por quien siempre he sentido especial debilidad, está correcta en su papel de Jane Foster, y digo correcta porque pese a que ponga todo su empeño e interés nunca me la he creído  como chica en apuros para el superhéroe de turno. Al contrario que en V de Vendetta donde crea un personaje de Evey Hammond que evoluciona de forma sobresaliente a lo largo de la película, hay algo al rededor de esta Jane Foster que no termina de ser creible, ¿será el doblaje?... no lo sé... júzguenlo ustedes mismos.

El resto de héroes secundarios en su línea, sin grandes sorpresas. Anthony Hopkins repite con el mismo estilo su papel de Odín, nada que no esperáramos. Y Jaimie Alexander es desaprovechada aun más que en la primera parte, en su papel de la guerrera Sif. Creo que esta belleza con aura guerrera es un diamante en bruto para interpretar una superheroína más que decente y está siendo desaprovechada en este papel.

En cuanto a villanos tendremos como principal antagonista a Malekith, señor de los elfos oscuros, cuya tecnología parece extraída de los codex de Warhammer. La caracterización de Christopher Eccleston es muy acertada y su presencia es soberana, pero el guión se le queda algo corto y le falta grandeza. 

El gran intérprete de esta cinta es Tom Hiddelston, Loki, quien parece que cada vez se encuentra más cómodo con el papel de dios de las mentiras. Si bien no llenaba lo suficiente como gran villano en Thor y en los Vengadores, es un excelente personaje como héroe/villano secundario en su papel de charlatan y manipulador, donde verdaderamente se luce. El mejor personaje de la película.

Así que si el escenario ha mejorado y los personajes son muy decentes.... será un peliculón.... pues tampoco.

La historia, no es la bazofia de Hulk de Ang Lee, ni tampoco el absurdo enrevesamiento de Tony Stark 3. Pero es algo pobre.

Empezar empieza bien, Odin con su voz en off de narrador nos cuenta a modo de introducción de la película el origen de la guerra con Malekith y sus elfos oscuros, pero tras esto el plan del villano no es más que otra historia trillada sobre la búsqueda de algo. Marvel debería de dejar de buscar artefactos poderosos para centrarse en otras historias. Aun así le reconoceré que es algo menos lineal de lo esperado. Sin embargo la presencia de algunos huecos argumentales y su desenlace "porque sí" deja mucho que desear y afea bastante la obra.

Con lo que valorar esta película dependerá de lo que vayamos buscando al entrar en la sala.

Si buscaís una fiel adaptación del comic con una historia acorde y original podéis ahorrárosla.

Si habési aprendido que este universo marvel es simple entretenimiento sin más pretensiones y aceptais una adaptación correcta y lo que buscáis es una cinta de acción, mundos imaginarios y efectos especiales que vayan más allá de destruir ciudades y explotar coches, disfrutaréis la película.

Nota: 7/10

Aviso final: ¿Por qué sigue habiendo gente que se va del cine al terminar las películas de Marvel? Thor el mundo oscuro tiene sus escenas tras los créditos como es tradición y en este caso hay 2. Una a los pocos minutos de que empiezen los créditos, tras los nombres de los actores, y otra al terminar todos todos los créditos. Así que paciencia y no levantarse de la butaca. Avisados estáis.

Una Cuestión de Tiempo: Comedia romántica, viajes en el tiempo y Rachel McAddams... ¿qué más puedo pedir?

Dentro de que mi abanico de gustos cinematográficos es bastante amplio, soy un aficionado a las comedias románticas ( y para demostrarlo les recomiendo mi tesis sobre ello)

Puede que mis obras favoritas sean de género evidenteménte fantástico como puede entreverse en el título de este blog, sin embargo disfruto de una buena historia de amor como el que más, preferiblemente con un toque de comedia.

Pero si a esto le añadimos, como en este caso, el que siempre ha sido mi concepto favorito de la ciencia ficción: "los viajes en el tiempo" la combinación es irresistible.

De este modo nos presentamos en el último día de la fiesta del cine con esta obra que para mi sorpresa esta escrita y dirigida por nada menos que el autor de la que considero la mejor comedia romántica de la historia: "Love Actually", Richard Curtis.

Una cuestión de tiempo no llega a la genialidad de aquella, pero encandila igualmente.

Nos cuenta una historia sencilla, la historia de siempre la de chico conoce chica. Pero Curtis se mueve como pez en el agua en este tipo de situaciones. Sus personajes encantadores, su sentido del humor inglés que tan bien le sienta y ese Londres que parece la Toscana por el buen clima. Todo nos rodea y nos encandila haciendo que nos enamoremos de sus personajes, y en especial de una Rachel McAddams que luce adorable como nunca.

Hemos de recordar que McAddams ya hizo una incursión en el espacio temporal con la correcta adaptación de la novela "la mujer del viajero en el tiempo" pero cuyo contenido es bastante distinto a la película de esta crítica. Y esto lo digo porque puede que más de uno lo haya pensado e incluso confundido obras.

"La mujer del viajero del tiempo" o "Más allá del tiempo", como se tituló la película en España, trataba el desplazamiento temporal como una enfermedad, como algo no controlado. Si bien anulaba por completo la posibilidad de paradojas aferrándose al concepto de predestinación y de que no es posible cambiar el curso de la historia. Algo bastante molesto a mi entender ya que quita bastante gracia a la temática temporal, y carece de sentido científico por otro lado.

Aquí, en "Una cuestión de tiempo", la relevancia de los saltos en el tiempo es posiblemente algo más anecdótica, al fin y al cabo. Si es cierto que Tim, el protagonista de la película, descubre que tiene esa habilidad a los 21 años y eso nos dará unas cuantas risas y unos buenos momentos mientras vemos como se las ingenia para enmendar las patochadas debidas a su caracter inseguro y torpe en más de una ocasión.

Pero poco más que eso. Al igual que le ocurrila a "Más allá del tiempo" no es una película de paradojas, no es Regreso al Futuro, ni el Efecto Mariposa, si bien el funcionamiento del viaje en el tiempo es más similar a esta última que a la primera. Y si estudiamos detenidamente la película al llegar a su final, descubriremos que todo lo que le acontece a Tim hubiera sucedido igualmente de no tener su capacidad de desplazamiento temporal.

Quizás el protagonismo de los viajes en el tiempo cobra verdadero sentido en cuanto a la relación de Tim con su padre, un Bill Nighty que como siempre borda sus personajes. Esto nos da los momentos más sensibleros, pero adecuados, de la película. No desvelaré nada más sobre ello. 

Curtis utiliza el viaje en el tiempo para darnos una lección sobre la vida, para enseñarnos que cada día en nuestra vida es único e irrepetible y hay que vivirlo intensamente.

Una cuestión de tiempo es una buena comedia romántica que sorprendentemente no entra en la dinámica habitual de las etapas de la comedia romántica clásica (y me remito nuevamente a mi tesis) y es posible que por eso funcione tan bien.

Así que resumiendo, dosis de humor, saltos en el tiempo, una bonita reflexión y una Rachel Mc Addams preciosa... al menos merece un visionado.

Nota: 7/10

Nota final al margen de la película: la pérdida de paradojas en las historias de espacio-tiempo es una mala costumbre que están tomando algunos autores. Para mí eso no se traduce sino en la falta de dominio de esta rama de la ciencia ficción y que cortando por lo sano se evitan complicaciones en los argumentos. Eso se me antoja perezoso cuanto menos. Señores guinistas y directores si no se manejan con un sencillo salto en el tiempo, no hagan películas de esta temática, por favor. Si las hacen háganlas con todas sus consecuencias

..... porque yo lo diga, ¿no?

Sobre las dosis de tensión con registro maestro: Capitán Phillips.

Para los excursionistas que anden con la mirada hacia el otro linde del camino, os contaré que esta semana ha sido la "Fiesta del Cine" en un buen número de salas de nuestro país adscritas a esta promoción/idea.

A lo largo del lunes, martes y miércoles de esta misma semana, y durante todo el día, el precio de las entradas de las proyecciones se ha visto reducido a 2,90 euros, previa acreditación tras un sencillo registro por internet sin coste adicional.

Esta interesante idea ha incrementado notablemente el acceso al séptimo arte de los ciudadanos españoles durante 3 días, lo que se ha comprobado en algunas colas que no había visto desde el estreno de grandes como Parque Jurásico.

Total que aprovechando el descuentillo, he visto un par de pelis estos días.

La primera, la que nos ocupa en esta crítica, es la última caracterización de quien para mí es el mejor actor de Hollywood de esta generación. Hablo naturalmente de Tom Hanks y de su Capitan Phillips.

La obra adapta una novela basada en un hecho real y nos narra un episodio en la vida de un capitán de la marina mercante. La historia de una travesía de carga más en la vida de ese hombre que dio un giro inesperado al ser su buque asaltado por piratas somalies.

Para despistados como un servidor que desconocíamos la historia de este hombre y que no habíamos tenido la suerte, o la desgracia según se mire, de ver entrevistas previas a la obra, el disfrute es total. Mayor aun que de haber sabido de su historia con anterioridad.

A diferencia de lo que me pasó hace poco con la obra de Cuarón, Gravity, en la cual en ningún momento empaticé con el peligro vivido por Sandra Bulock, no llegando a temer en ningún momento por su vida. El no conocer de antemano el desenlace de la historia de este capitán permite vivir con verdadera tensión tal angustiosa situación.

La dirección de las escenas y la interpretación tanto de Hanks como de los piratas es esencial para ello y está perfectamente ejecutada. La sensación de impotencia y la perforante pregunta de qué haría yo en esa situación,  te aborda durante las dos horas de película.

Tom Hanks domina la escena con maestría y trasmite sangre fría y determinación a la hora de lidiar con unos asaltantes nerviosos y desesperados. Nos invita a sufrir con él y a pensar como él en su empeño en salvaguardar su barco y su tripulación.

Como punto negativo, siempre lo hay, hablaré de la cámara. Hay una tendencia moderna a la grabación realista cámara al hombro y un excesivo abuso de los primeros planos, sobre todo en la primera media hora de metraje.

Eso no me ha entusiasmado. Llegas a acostumbrarte, no estoy hablando del nivel de la bruja de Blair ni muchísimo menos, pero aun así nunca he disfrutado de contar los poros de la piel a los protagonistas. ¿Realismo? Quizás. ¿Influye a la hora de meternos en la situación? Es posible, lo cierto es que llegado un punto dejé de prestar atención a cómo era la grabación dado que estaba demasiado pendiente de lo que estaba pasando en ese barco.

Esta no es una obra de acción al uso, no veremos a Tom Hanks convertido en John McClane saltando entre los bloques de carga empapado en sangre y neutralizando somalíes con su reglamentaria, pero les aseguro que no faltará adrenalina, y contendrán la respiración en más de una ocasión hayan oído hablar o no de su desenlace.

Esta no es una historia entrañable y carsimática como "Forrest Gump"; no es una lección de historia de violencia y realismo como "Salvar al soldado Ryan".

Es quizás excelente obra sin grandes pretensiones detrás de ella. Su argumento es sencillo, se puede contar en apenas unos segundos. Quizás no dejará huella por sus cambios de ritmo, por sus situaciones originales, por giros argumentales o finales sorprendentes. Es muy posible que no sea recordada por una escena en concreto, incluso no sea una obra que se convierta en cinta de revisionado obligatorio, como pueda serlo Forrest Gump. Pero a cualquier persona capaz de entender lo que puede suponer que un hombre desesperado te apunte con un arma a la cabeza, pasará dos horas de verdadera tensión.

Y al fin y al cabo, de eso se trata el cine, ¿no? De provocarnos emociones.

Nota: 8/9.

Pintando a Tiamat

Hoy he terminado un proyecto que empecé hace unos cinco años pero que por cuestiones de falta de tiempo y de espacio, para tener ocupada una mesa con un despliegue de pinturas y pinceles, había postpuesto.

Esto no va a ser un tutorial al uso, porque no he ido realizando fotografías paso a paso, y además tengo pocas fotos de cuando la comencé hace 5 años, pero bueno comparto algunas ideas de pintura y ya de paso os expongo mi obra.

Al lío...

Mi nombre de guerra, Lord Tiamat, viene de Tiamat, el dragón de cinco cabezas de la serie de dibujos Dragones y Mazmorras, que por otro lado bebe sus fuentes de la representación de la Diosas Takhisis de la saga de libros "Crónicas de la Dragonlance" y sus secuelas.

Pues la cosa es que encontré esta estatua por un módico precio y decidí pintarla con los colores de la selección.
Esta era la estatuita de marras.

 Y aquí la podemos ver en el alegre caos de mi escritorio. La estatua, que como podéis ver no precisa ensamblaje, está pintada en un color negro piedra con reflejos grises que hace que ya de por sí sea más que decente. El acabado propio me hizo dudar sobre si meterle mano o no. Pero yo quería mi versión de Tiamat con sus cabezas de colores así que me puse a ello.

El tipo de pinturas que utilicé fueron pinturas citadel... de las de Warhammer de toda la vida.
Lo primero es darle a la figura un baño de pintura de imprimación con el fin de que las capas de pintura posteriores se asienten y fijen correctamente.
Normalmente los colores para la imprimación son dos. O blanco o negro. Yo elegí negro para que las capas posteriores adquirireran tonos oscuros. Si se usa blanco pues los tonos seran más claros. Eso es útil según qué vayamos a pintar. En general siempre uso negro.

No tengo foto de la estatua con la imprimación a secas, pero en las fotos centradas en la cabeza negra se ve el resto de la figura ya pintada de negro. Respeté la base porque por el momento he decidido no pintarla. Me gusta el aspecto pétreo.





Hay dos versiones de color de Tiamat. La versión de los libros de ilustración con las cabezas de izquierda a derecha: negra, azul, roja, verde y blanca. Y la variante de la serie de animación. De izquierda a derecha: blanca, verde, roja, azul y negra. Básicamente una versión es reflejo especular de la otra. Yo me decidí por la primera versión, la habitual en los libros de ilustración.

Tras pintar de negro todo el dragón me decidía empezar por las cabezas y dado que la cabeza negra era la que menos trabajo y detalle supondría decidí empezar por ella para así ir cogiendo práctica. Dejando la roja central para el final puesto que era la cabeza principal y sobre la que recaía el peso de la figura al ser del color del resto del cuerpo.

La cabeza negra no es complicada. Sobre la base de negro añadí destellos de azul para resaltar detalles. Pinté la boca y los colmillos y poco más. Un poco de negro diluido para oscurecer la cornameta y algo de verde entre las encía para emular el ácido que expulsan los dragones negros.

 

Aquí la veis terminada. Como podréis observar cambié algunas tonalidades de azul por violáceo y mejoré las pupilas.

Esta cabeza era la fácil.

Para las cabezas azul y verde, y sus respectivos cuellos, seguí el siguiente esquema. Base de color. Entintado. Color más claro en pincel seco. Destello con color aclarado en pincel seco.

La base de color la recomiendo con una gama algo más oscura de lo que queremos no servirá para que quede sombreado.

El entintado se hace como su nombre indica con una tinta de ese color. La tinta es mucho más fluida, no es tan espesa como la pintura normal, esto le permite meterse por los recovecos de la figura para hacer contraste.

El siguiente paso, dar una capa de color más claro se hace con el pincel seco. Tomemos por ejemplo el azul. Si hemos dado una capa base con con color azul marino y después hemos entintado. Ahora tomamos un azul más claro y con el pincel muy poco manchado, y tras descargarlo antes sobre un papel de modo que apenas deje unos trazos tenues vamos pintando la zona que nos interese como si pasáramos un plumero por así decirlo. El trazo con poca pintura sólo pintara las zonas prominentes permitiendo que se realzen los detalles y aumente el contraste con las sombras.

Finalmente mezclamos ese color más claro con un poquito de pintura blanca para que se aclare un poco más y terminamos el perfin del hocio, lábios o arrugas más prominentes.

La cabeza blanca tiene la particularidad de que es más difícil realizar tonalidades de blanco para dar los detalles. Y como tenía que mostrar aspecto de dragón de hielo pues que mejor que un poco de "azul hielo"
Con la misma técnica de pincel seco sacudimos en los pliegues del cuello, las arrugas del hocico y tambiñen podemos usarlo en la cornamenta.

Para la cabeza roja utilizamos unos pasos similares. Pero degradando el color.
Es decir. Primer paso base de color (granate), segundo paso entintamos, tercer paso pincel seco con color rojo vivo... y a partir de aquí empezamos a degradar también con pincel seco.

El sistema es ir mezclando colores ( si los tenéis pues estupendo, pero así ahorramos en comprar botes de pintura similar) Como todos sabemos si mezclamos rojo y amarillo obtenemos naranja que no es sino el rojo iluminado hacia el amarillo. Con lo que si hacemos pincel seco degradando el rojo a  anaranjados en un par de tonos obtenemos esto. Y como digo, no por todas partes, pequeñas pinceladas en las zonas de resalte para aumentar el detalle.

Ahora tenemos las cuatro cabezas. Pasamos al cuerpo.

Antes de centrarme en el cuerpo, patas cola y alas pinte el vientre. No lo había dicho pero para cada cada cabeza, el vientre es del mismo color. Por lo que cuando pinte las cabezas dejé el vientre sin pintar con su base negra. Para ahora pintar el vientre de los cinco cuellos y el vientre del torso todos seguidos para asegurarme de que homogenizo el color. Es el problema de las mezclas de los degradados, que te tienes que acordar  lo que has mezclado y las cantidades aproximadas.

El vientre lo inicié con una capa de color carne bronceada, ya el bote viene así. Y posteriormente lo fui iluminando haciendo mezclas con rojos y amarillos- Al principio tonos más anaranjados y luego tonos más amarillentos hasta conseguir este efecto. Como siempre con pincel seco porque esto nos permite que queden restos de las capas inferiores y se aune el efecto y el sombreado.

Para el torso, cola y extremidades seguimos un sistema parecido al de la cabeza roja. Aquí veréis mejor los pasos.

- Base de color granate.

- Entintado.

- Rojo vivo: la foto es muy brillante y no parece que sea pincel seco.

- Y ahora empiezo degradados en pincel seco con tonalidades naranjas.

Como veis esto vá dando luces. Damos algún toque de amarillo también en algunos pliegues, las escamas frontales de las patas...

En la palma de las garras mezclamos con un toque de color carne para aclarar y hacer contraste...

Y ahora nos faltan las alas.

Para las alas seguimos con un sistema similar al previo solo que le añadimos claridad hueso en las zonas donde van las falanges de las alas. Y damos un tono añadido color carne, que se mezcla en un anarnanjado con el resto de tonalidades, en la cara ventral de las alas para emular el cuero de las mismas.

Y tras terminar las alas y retocar cuernos, garras y resto de estructuras de hueso. Tenemos nuestro dragón terminado.